Шпоры - Отечественная история искусств - файл n1.doc. История русской живописи Социалистический реализм и его последствия

Согласно летописному своду, измученные межплеменными распрями славяне призвали на помощь варяжского князя Рюрика (историческое лицо, вероятно конунг Рерик Ютландский, до этого правил в Южной Дании). В 862 г. Рюрик "сел" в Старой Ладоге , а затем, в 864 г., перешел с дружиной в Новгород Великий (тогда "Рюриково городище"). "Призвание варягов", вероятно, и послужило поводом перенесения их прозвания на славянское население Северной Руси. После смерти Рюрика в 879 г. власть перешла к Олегу (879-912) по прозванию Вещий (др.сканд. Helgi - "Святой, вещий"). Князь Олег сумел объединить Новгородские и Киевские земли, в 907 г. совершил военный поход на Константинополь , который закончился подписанием выгодного обеим сторонам торгового соглашения. Предполагают также, что Рюрика призвали на Русь для того, чтобы защитить северные границы от набегов его же соплеменников. Имена его братьев, князей Синеус (шведск. Sine-Hus - "Свой род") и Трувор (Tru-Woring - "Верная дружина"), считают фантазией переписчика летописи (сказания о призвании трех князей встречаются в мифах разных народов).

Согласно археологическим данным, скандинавы жили в Старой Ладоге за сто лет до Рюрика. Там же находят предметы германского происхождения. Варяги, или норманны, послужили мощной объединяющей силой для смешанного славяно-финно-угорско-скандинавского населения. Они способствовали сложению русской государственности, наладили торговые пути по рекам Восточно-Европейской равнины ("из варяг в греки ", "из арабов в варяги ") и упрочили уже существовавший к тому времени общинный уклад жизни. Известны и факты сопротивления славян. В 945 г. древляне убили князя Игоря, который потребовал увеличения дани. Его вдова Ольга (др.сканд. Helga - "Святая"), дочь Олега, жестоко подавила сопротивление и правила в Киеве в 945-957 гг.

Предпосылки оригинального исторического типа искусства Древней Руси складывались, таким образом, задолго до принятия христианства . Однако с X в. это искусство находилось под мощным воздействием эллинистической традиции через посредство Византии . Княгиня Ольга крестилась около 957 г. в Киеве, в церкви Св. Илии (следовательно, еще ранее там существовала христианская община) и приняла имя Елена , в честь матери Константина Великого. В 980 г. ее внук киевский князь Владимир Святославич (980-1015) установил христианский культ .

Русский историк В. О. Ключевский писал, что постепенное заселение и освоение Восточно-Европейской равнины происходило славянами, двигавшимися с юго-запада, со склонов Восточных Карпат. Одна племенная группа - венетов - повернула на запад , другая - анты (или асы) - обосновалась в Северном Причерноморье, где ассимилировалась с иранскими сарматами . Третья группа - славенов - заселяла Балканский полуостров. На Дунае был известен г. Рус. Славяне, уходившие на север, также разделились, часть повернула к западу, форсировала Вислу и Одер, освоила берега Балтии, вплоть до Бамберга и Киля . Около 800 г. викинги установили связи с Хазарским каганатом, столица которого Итиль находилась вблизи дельты Волги .

Ранняя история России представляет собой, таким образом, длительную историю колонизации огромных пространств , которые не только своей обширностью, но и природными условиями значительно отличаются от Западной Европы . Восточно-Европейская равнина - "широкие врата Азии... как бы азиатский клин, вдвинутый в европейский материк и тесно связанный с Азией исторически и климатически. Исторически Россия, конечно, не Азия, но географически она не совсем и Европа" . Огромные территории, которыми приходилось овладевать слабым и разрозненным славянским племенам, обусловили в дальнейшем катастрофичность и прерывность российской истории .

Южные степи и пригодные для земледелия равнины подвергались набегам кочевых азиатских племен. Отсутствие естественных границ в виде горных хребтов или морей делало русичей беззащитными перед полчищами хазар, печенегов, монголов. Разгром Киева монгольским ханом Батыем в 1240 г. оборвал развитие уникальной культуры Киевской Руси. Раздробленные племена уходили все дальше на север, в глухие леса, в места, непригодные для земледелия, где летом люди страдали от сырости болот и скудости почвы, а зимой - от вынужденного многомесячного безделья. И. Е. Забелин выразительно писал о том, что княжеские полки из-за возникавших усобиц отправлялись навстречу друг другу, "подчас расходились, блуждали в лесах и не могли встретиться " .

Торговые пути пролегали лишь по рекам, и то главным образом зимой, по льду. "Лес был многовековой обстановкой русской жизни " . Лес обеспечивал защиту, доставлял тепло и строительный материал, подсказывал простейшие архитектурные формы . Художественные формы каменного зодчества , мозаики , иконописи и фрески сначала заимствовали из Византии. Поэтому на протяжении всей истории русской культуры, по определению Н. А. Бердяева, постоянно "сталкивались два элемента: дохристианская природная широта, особенный темперамент, сформировавшийся в необъятных лесных и степных просторах Русской земли, языческие верования, не искорененные христианством, и православный, из Византии наследованный аскетизм и догматизм... Это сочетание обладало огромной разрушительной силой " .

У европейских народов культурная деятельность веками направлялась в единое формообразующее русло, что воспитывало у европейца чувство формы , потребность в организации, порядке, преемственности и регулярности жизни. В России "пейзаж русской души ", стихийность и неорганизованность, стали главной причиной прерывности культуры. Поэтому не было стилистически единого древнерусского искусства : существовало искусство Киевской Руси, отличное от него искусство владимиро-суздальской школы и настолько же отличные от них новгородское , псковское , московское , ярославское , ростовское ...

Разорванность русской культуры символизирует двуглавый орел . В 1469 г. по соглашению с Папой Римским Павлом II в базилике Св. Петра в Ватикане через доверенное лицо произошло обручение Великого князя Московского Ивана III с византийской принцессой, римлянкой по воспитанию, Зоей Палеолог (племянницей последнего византийского императора). В 1472 г. царевну отправили в Москву с ее собственным двором, где она получила имя Софья . Однако несмотря на Флорентийскую унию Западной и Восточной церквей (1439), к которой присоединился московский митрополит Исидор, Собор русской православной церкви отверг унию в 1443 г. и сместил Исидора. В 1453 г., после падения под натиском турок Константинополя, Москву провозгласили преемницей Византии, а русскую столицу назвали "Третьим Римом" .

Внутренняя и внешняя политика царя Ивана IV Грозного (взятие Казани в 1552 г., присоединение Астрахани в 1556 г., разгром Новгорода в 1570 г.) сделала страну более азиатской. В последующие века из Западной Европы заимствовали формы архитектуры и живописи , технику масляных красок и эмалевых росписей, мебель и одежду . Однако в европейские формы русские вкладывали собственное содержание . К этому содержанию прежде всего следует отнести особую пространственность, широту мышления, стремление к органичной связи отдельных форм с окружающей средой, яркость , звучность цветовых отношений . Именно эти качества отличают древнерусскую иконопись , фреску , архитектуру от византийских прототипов . Чувственностью , нежностью, лиризмом отмечены лики Богоматери и святых в трактовке русских мастеров даже в сравнении с произведениями Палеологовского Ренессанса . Показателен факт: мозаики, принятые в Константинополе и Киеве, в новгородской школе заменили фресковые росписи - более подвижные и эмоциональные .

Декоративное понимание цвета отличает русское искусство от западноевропейской живописи с ее культом формы , ограниченной композиционными рамками , строгостью рисунка , осязательной ценностью объема. Проявлением национального отношения к изобразительному искусству являются парсуна , лубок , расписные изразцы , набивные узорчатые ткани, резьба и роспись по дереву , ярмарочное искусство , уличная вывеска. Именно эти виды народного творчества в начале XX в. пытались возродить российские авангардисты объединений "Бубновый валет" и "Ослиный хвост" .

Западная культура формы , несмотря на заимствование техники живописи, не привилась в России. Этим же объясняется (помимо религиозных ограничений) недостаточное развитие в России искусства скульптуры . "Слабость формы ", если допустимы столь смелые обобщения, всегда отличала живопись русских художников в сравнении с произведениями западноевропейского искусства . Эта особенность, невзирая на различия содержания, в равной степени относима к большинству произведений русского академического искусства , картин русских пейзажистов , "передвижников" , "жанристов" .

Однако именно русское искусство , отчасти по названной причине, сохранило духовность религиозных образов , перенятых из Византии, в то время как развитие западноевропейского искусства в эпоху Итальянского Возрождения и в постренессансный период характерно тенденцией снижения духовности и усиления гедонизма . Новации , проникавшие в русское искусство под западноевропейским влиянием во второй половине XVI-XVII в., противоречили национальной традиции . Один из примеров - "исправление" обратной перспективы иконы А. Рублева "Троица" (1426), сделанное на позднейшем окладе иконы в XVII в. Западноевропейские (фряжские) влияния на русское искусство усилились после успешных военных походов 1654-1656 гг., присоединения к Москве значительных западных территорий Белой Руси и воссоединения с Малороссией .

Для русского искусства в целом характерно преобладание этической стороны над эстетической . Художественное начало в отдельные периоды развития отождествляли с гедонистическим искусом красоты , дьявольским искушением и даже с эротическим соблазном. Наиболее полно эта тенденция проявилась в жизни религиозных подвижников, монахов-иконописцев . Тяжелая, подчас трагическая внутренняя борьба художественного таланта с идеей подвижничества, нравственного долга одолевала российских "передвижников", "бытописателей". Они расценивали изобразительное искусство исключительно в качестве средства жизнестроения и обличения несправедливости общественного строя .

Искушение формой рассматривали как враждебное, вредное явление для русской национальной культуры. Именно так понимали "старшие передвижники " тезис Н. Г. Чернышевского "прекрасное есть жизнь " ("Эстетические отношения искусства к действительности", 1855). Следовательно, жизнь надо изображать без прикрас, т. е. художественно неоформленной. Совершенство формы , красота тела и духа уничтожают красоту жизни! Так складывалась новая религия шестидесятников XIX в., маргинальная в отношении к европейской культуре и эллинистической традиции, наследницей которой была Древняя Русь. Принцип "идейности" доводили до абсурда , когда художник свои философские раздумья переносил на изображаемых святых персонажей .

Ангажированность художника (от франц. engager - обязывать, отдавать в залог, вовлекать, нанимать на службу) оценивалась положительно с этической точки зрения . Творчество ради эстетического наслаждения расценивали в качестве праздной забавы и безнравственной игры . Чисто живописное , например импрессионизм , русские художники считали безнравственным, недостойным, о чем недвусмысленно заявлял И. Е. Репин .

В XIX в. станковая картина на исторический сюжет была ведущим жанром русского изобразительного искусства , прочие жанры , а также декоративное и прикладное искусство долгое время находились вне внимания. Такого разделения нет в классическом западноевропейском искусстве . Борьба за "идейность" отождествлялась "демократическими" критиками с национальным движением за "русский стиль" . На этом основании в прозападной ориентации как национальной измене обвиняли "мирискусников" , "бубнововалетцев" , "голуборозовцев" , хотя чаще их "вина" состояла только в увлечении красочностью , праздничностью , изысканностью изобразительных средств . Между тем именно красочность, яркость, декоративность всегда были отличительными свойствами русского народного творчества , а "надуманность" бытописателей и обличителей спустя время воспринимается комично .

Выставка древнерусских икон в Москве в 1913 г., равно как и последующее "открытие" иконописи в 1960-х гг., после расчистки старых досок от копоти и потемневшей олифы , поражали яркостью красок , сочным и свежим письмом. Заново открываемая красота полотен М. А. Врубеля, Н. К. Рериха (так же как и знакомство с живописью А. Матисса , М. Вламинка, Р. Дюфи) отличалась от привычной темной и жухлой живописи "передвижников" и "соцреалистов" .

Русские художники "серебряного века" все же успели на рубеже XIX-XX вв. привить российской публике вкус к изящному . Живописцы московской школы , в частности выпускники Московского Училища живописи , ваяния и зодчества , воплотили народные традиции в сочной, жизнерадостной живописи натюрмортов . П. П. Кончаловский, И. И. Машков, А. В. Куприн, Б. М. Кустодиев, Н. Н. Сапунов писали натюрморты с русской снедью, цветами, жостовскими расписными подносами .

Высокая формальная культура книжной графики "мирискусников" нашла продолжение в творчестве мастеров московской школы ксилографии . Однако главная "непохожесть" русского искусства на западноевропейское заключается в своеобразии и иной последовательности развития художественных стилей . Отдаленность России от художественной метрополии - исторических центров классического искусства : Афин , Флоренции , Рима , Парижа - обусловила запаздывание и прерывистость стилистической эволюции художественных форм . Впервые особенность "сращивания" художественных стилей в России сформулировала историк искусства XVIII в. Н. Н. Коваленская. Она писала о том, что после петровских преобразований "многие этапы, последовательно проходившиеся другими европейскими народами, в России нередко оказывались как бы сросшимися, уплотненными... возникали иногда неожиданные соединения весьма разнородных явлений " .

Нечто подобное происходило в Англии , где территориальная и историческая отстраненность от континентальной Европы породила во взаимодействии с особой психологией англичан своеобразный "английский стиль ", объединивший местные варианты незначительно различающихся между собой, но весьма отличных от европейских английского Классицизма, Барокко и Рококо.

В России только в период елизаветинского рококо столичное искусство начинало догонять западноевропейское, а в годы правления Екатерины Великой сравняется с ним . Однако чем далее от эпицентров художественного развития располагаются региональные центры, тем эклектичнее стиль . Даже Петербург - великая столица - в художественном отношении провинциален (в данном случае используем этот термин без негативного смысла) и, поскольку отдален от центра Европы, эксцентричен . Художественные стили , рождавшиеся на основе эллинистической традиции: Классицизм, Барокко - достигали Петербурга спустя время и не напрямую из Рима или Парижа , а посредством многих вторичных региональных вариантов, уже впитавших в процессе запоздалого развития элементы иных стилей , течений и школ. Отсюда "смешанное соединение" стилистических элементов "петровского барокко" , "растреллиевского стиля", русского или петербургского, ампира .

Русский классицизм - совсем не тот, что Классицизм в других европейских странах, Барокко - не совсем Барокко, Рококо - не Рококо и Ампир - не Ампир... Даже Петербург, такой, какой он есть, один из красивейших городов мира, мог появиться только на самом краю Европы . Чем дальше от центра Европы, тем больше эклектизма. Иностранные путешественники XVI-XVII вв., оказавшись в Москве, с удивлением отмечали непонятный им "варварский формы , отсутствует тектоническая логика - соотношение несущих и несомых частей . За обилием драгоценных камней, жемчуга , разноцветных эмалей , черни , скани , позолоты пропадает композиционная ясность и, следовательно, отсутствует стиль .

Подобного "внестилевого" развития не было ни на настоящем Востоке - в Индии , Китае , Японии , ни на классическом Западе. В связи с этим примечательно свидетельство И. Е. Забелина о том, что русские иконы "новейшего фряжского письма " XVII в., расцениваемые в России как созданные под западноевропейским влиянием, в Европе принимали за древние произведения XII-XIII вв. Французский историк и теоретик архитектуры Э. Виолле-ле-Дюк в 1877 г. опубликовал книгу "Русское искусство. Его источники, его составные элементы, его высшее развитие, его будущность" (на русском языке в переводе Н. В. Султанова издана в 1879 г.). Виолле-ле-Дюк, никогда не бывавший в России, рассматривал русское искусство в качестве связующего звена между Западом и Востоком , однако усматривал в нем преимущественно азиатские элементы - "смесь элементов, заимствованных на Востоке почти за полным исключением всех прочих" . К этим элементам автор книги относил "мавританский, сирийский, византийский, индийский" стили , что объясняется "азиатским происхождением славянских племен ". По мнению Виолле-ле-Дюка, наиболее полно выражает "русский идеал " московская архитектура XVII в. Польский историк К. Валишевский описывал храм Василия Блаженного на Красной площади в Москве как "прихотливое, причудливое сочетание красок, форм , орнаментов ... странное смешение архитектурных стилей ". Московский Кремль он называет "турецким сералем " (Наполеон Бонапарт в 1812 г. назвал храм Василия Блаженного "мечетью "). Далее Валишевский пишет: "В этой удивительной стране, не сливающейся с Европой и презираемой Европой... часть великолепного итальянского Ренессанса, гений Фьораванти, Солари и Алевиза борется с византийскими традициями... Китайски-головоломно расположенные постройки кажутся вставленными одна в другую. Кажется, что великий мастер создал это в минуту какого-то гениального сумасбродства " . С этим описанием соотносится мнение историка Г. П. Федотова: "Что говорят нам фасады и купола ее (Москвы) бесчисленных церквей? Конструктивно - перенесенный в камень северный шатер да владимирский куб, отяжелевший, огрузневший, с пышно изогнутой восточной луковицей. Нет новых идей, нет и строгости завершений. Нет ничего, что взволновало бы присутствием подлинно великого искусства... очарование нарышкинского стиля только в его декоративности... Архитектурно бессмысленная идея Василия Блаженного разрешена с удивительным мастерством... Хочется целовать эти камни и благословлять Бога за то, что они еще стоят. Но, вдумавшись, видишь, что это художественное впечатление не глубоко, что его идея бедна... Стоит увидеть эти формы хотя бы в недалеком Угличе, где еще чувствуется дыхание Севера, чтобы понять, каков может быть чисто религиозный смысл этого искусства. Московские кокошники, барабаны, крыльца и колокольни - как пасхальный стол с куличами и крашеными яйцами... В сущности, Азия предчувствуется уже в Москве. Европеец, посетивший ее впервые, и русский, возвращающийся в нее из скитаний по Западу, остро пронзены азиатской душой Москвы ". Однако тут же Федотов замечает "за лубочной декоративностью Кремля... тяжкую мощь... Дух тиранов Ренессанса, последних Медичи и Валуа, живет в кремлевском дворце под византийско-татарской тяжестью золотых одежд " . Даже в европеизированном Петербурге маркиз де Кюстин, посетивший столицу в 1839 г., а позднее романтик Т. Готье не смогли понять идею водружения "голландского шпица на греческую колоннаду " в здании Адмиралтейства . В данном случае эклектизм является исторически сложившимся национальным явлением.

Иностранные художники, работавшие в России, подвергались мощному воздействию русского духа и начинали творить в ином стиле, чем у себя на родине. Только в Петербурге Ф. Б. Растрелли, итальянец по крови, мог создать уникальный стиль , органично соединивший элементы Классицизма, Барокко, Рококо с традициями древнерусского искусства . В период екатерининского классицизма знаменитые зодчие Ч. Камерон, А. Ринальди, Дж. Кваренги создавали собственные стили , отличные по содержанию и форме от западноевропейских аналогов . Многие русские писатели, художники, философы отмечали, что Россия рождала не только славянофилов, но и "самых широких" европейцев. Д. С. Мережковский писал, что он чувствует себя "в некоторых уголках Кремля... как на старых площадях Пизы, Флоренции, Перуджии... ведь строили эти соборы и башни итальянские зодчие " . Протестуя против поверхностного подражания отдельным элементам "национального стиля ", А. Н. Бенуа писал, что "всякое художественное творчество национально по своей внутренней природе " и поэтому нет необходимости "прибегать к бутафории ", подделке, к "маскарадному национализму, который... есть просто провинциализм " .

В истории русского искусства не было какого-то одного истинно национального художественного стиля , а имело место непрерывное переосмысление различных художественных форм , мирового и, в частности, европейского художественного развития, поиск русского способа его переживания и творческого претворения. Мысль о том, что "русский наиболее русский лишь тогда, когда он наиболее европеец ", впервые высказал Ф. М. Достоевский в романе "Подросток", а затем в знаменитой "Пушкинской речи": "Русским всегда были дороги эти, старые, чужие камни... осколки святых чудес... более чем самим европейцам... Русские умеют слиться с чужими формами жизни, перевоплощаться... и имеют склонность к всемирной отзывчивости " .

История России убедительно доказывает, что возрождение и укрепление национальной культуры происходило в тех случаях, когда она тесно взаимодействовала с западноевропейской, и, напротив, - гибла, когда замыкалась в себе. Провозглашенная Достоевским "всемирная отзывчивость " составляет духовную суть русского искусства . Она предполагает постоянную готовность учиться у других народов, ассимилировать культурные формы и преобразовывать их, придавая им широту, размах, масштабность, которые соответствуют пространствам России и неприемлемы для Запада. Таким были древнерусское искусство , "русское барокко" и русский классицизм . Таковы "Библейские эскизы" и "Явление Мессии" А. А. Иванова, таков "петербургский стиль " ...

М. А. Врубель заметил в одном из писем об "интимной национальной нотке ", которую он хотел "поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада " . В связи с этим становится понятной еще одна особенность российской культуры: женственность, пластичность и чувственность , которые приводят к эклектизму, а иногда и к подражательности, катастрофическим надломам. В книге Б. Гройса "Утопия и обмен" Россия представлена в качестве "области проявления подсознательного и деструктивного аспектов западной цивилизации ". Причем Запад провоцирует Восток на противостояние . Русские религиозные философы и историки - Н. А. Бердяев, Г. В. Флоровский - писали о "встревоженной стихийности " русской души.

История русского искусства - вся в перебоях, приступах, разрывах и отречениях. В ней отсутствуют цельность и ясность. Это происходит "от слабости, женственности, от чрезмерной впечатлительности... В русской душе есть предательская склонность к превращениям и перевоплощениям... То, что Достоевский назвал „отзывчивостью “, является роковым даром... он затрудняет творческое собирание души. В странствиях по чужим временам и странам всегда сохраняется опасность не найти себя. Отсюда привычка жить на развалинах и в кочевых шатрах, о которой с неподражаемым сарказмом писал П. Я. Чаадаев: „Русская душа плохо помнит собственное родство “ и поэтому склонна к нигилизму, язычеству, авангардизму. В этой безответственности - трагизм русского искусства " .

- воплощение эллинистического наследия; сначала через посредство Византии, затем через формы западноевропейской архитектуры , скульптуры , живописи оно осмысляло свою преемственность от Древней Греции. Парадоксально , но вполне в русском духе эта идея обрисована авангардистом Б. Лившицем: "Навстречу Западу, подпираемые Востоком, в безудержном катаклизме надвигаются залитые ослепительным светом праистории атавистические пласты, дилювиальные ритмы, а впереди, размахивая копьем, мчится в облаке радужной пыли дикий всадник, скифский воин, обернувшись лицом назад и только полглаза скосив на Запад - полутораглазый стрелец " . Может быть, это не кентавр , а Святой Георгий Победоносец или все же сармат ?

Программа учебного курса на 2012-2013 учебный год

Пояснительная записка

Цель и задачи курса. Курс по истории русского изобразительного искусства является составной частью дисциплины «История культуры и искусства», читаемой на первом курсе консерватории для всех специальностей. Изучение данного курса - важная часть высшего музыкального образования, предусмотренная государственными образовательными стандартами по всем специальностям консерватории.

Изучение развития национального искусства есть необходимое условие постижения духовной культуры и общественно-исторической эволюции Отечества. Эта дисциплина дает студентам обильный материал для понимания развития музыки в широком творческом и социальном контексте. У студентов складывается представление о меняющемся характере, эстетических задачах и смысле искусства. Изобразительное искусство есть «знаковая транскрипция» человеческого познания, обусловленная общественными, национальными, религиозными, политическими представлениями эпохи. Студенты обучаются выявлять «стилевое чувство» каждого исторического периода. Так, в развитии русского искусства последовательно сменяются иконописный канон, нормативная эстетика, романтизм и натурализм, авангард и идеология, модерн и постмодерн. Важно и постижение национальной идентичности, при уникальном положении русской культуры между «Востоком» (Византией) и «Западом» (Европой). Периодизация русского искусства связана с особенностями развития международных процессов и отечественным своеобразием.

Изучение курса даст студентам возможность глубже воспринять роль и место национального искусства в социо-культурной динамике мирового процесса, представить вклад отечественных мастеров в тезаурус гуманистической культуры человечества. Курс призван помочь в формировании широкого идейно-эмоционального горизонта нашего современника - деятельного участника новейшего творческого развития.

Требования к освоению курса. После изучения курса истории русского изобразительного искусства студенты должны будут понимать общие закономерности эволюции отечественной культуры и основные ее этапы; знать главные художественные памятники различных периодов, их важнейшие стилистические характеристики, идейное содержание и историческое значение. Сравнивая произведения русского искусства с современным им материалом западноевропейской (и в отдельных случаях, американской) культуры, студенты научатся понимать остроту и актуальность общих философских, мировоззренческих проблем духовной жизни, вместе с тем, оценивая своеобразие национального творческого видения. Исследуя памятники, студенты должны овладеть основами методологии их научного исследования - в связи с историческим и социально-культурным контекстом соответствующей эпохи. Предполагается, что студенты освоят терминологию и начатки стратегии искусствоведческого и культурологического описания/ анализа, смогут на основе такого анализа выстроить свое понимание концептуального содержания главнейших эпох в развитии отечественной культуры, их духовного богатства и стилистического разнообразия. Специфика подготовки студентов музыкального ВУЗа требует владения широким историко-культурным кругозором, обладания определенной эрудицией относительно развития смежных сфер культурного процесса. Это обогатит собственные творческие способности студентов, их представление об отражении в искусстве насущных общечеловеческих проблем. Важнейшие памятники изобразительного художества подчас выступают как «культурные симптомы эпохи» (выражение Э. Панофского), концентрированно выражая интеллектуальные усилия своего времени; от сопоставления с современными им музыкальными произведениями, согласно концепциям современной науки, следует ожидать взаимного «разъяснения», смыслового и эмоционального обогащения.

История русской живописи начинается с Киевской Руси. Правда, как и многие другие явления, живопись не стала исконно русским достижением. Появление живописи на Руси связано с именем князя Владимира и Византией. Вместе с христианством, русский князь привез в Россию и традиции живописи. Первые произведения изобразительного искусства были связаны с храмами. Это традиционные , которыми украшали стены церквей.

Расцвет русской живописи приходится на 15 век. Это именно то время, когда появляется . Этот вид творчества неразрывно связан с наследием России и имена многих самобытных мастеров. Многие творцы так и остались неизвестными, но имя великого иконописца Андрея Рублева на многие века стало эталоном в технике написания икон.

Первые реалистические полотна появляются в России в семнадцатом веке. Русские художники, также как и живописцы Европы, начинают обращаться к определенным жанрам - , . В этом сыграла роль деятельность Петра I , который открыл «окно в Европу» и сделал европейские традиции доступными и в России.

Петр Первый

История русского народа полна героических и ярких общественных событий. Русская душа отличалась особой чувствительностью, восприимчивостью, фантазией. Поэтому в российской живописи наблюдает многообразие тем, сюжетов, образов. Русские художники были прогрессивными людьми, и в их произведениях можно найти отражение всех перемен, происходящих в обществе.

Русские живописцы достигли выдающихся результатов в изображении человека и его внутреннего состояния. На полотнах очень часто встречаются сюжеты из жизни простых людей, их страдания, надежды и чаяния. Русская природа во всем ее великолепии также являлась темой вдохновения русских художников. Притом если сначала пейзажи представляли собой просто изображение природных красот, то в дальнейшем через природу художники научились передавать свои чувства.

Марк Шагал

В начале 20 века в русскую живопись пришел модернизм. Здесь Россия также ни в чем не уступила другим странам, подарив миру яркие произведения художников авангардистов - Василия Кандинского, Марка Шагала, Казимира Малевича.

Сложно перечислить всех выдающихся русских художников, но самые известные имена это И. Шишкин, В. Саврасов, И. Репин, В. Суриков, К. Брюллов и многие другие. Они являются гордостью русской живописи, их произведения получили мировое признание.

Эволюция искусства живописи

Красота эволюционирует вместе с моралью.

Эволюция – процесс развития состоящий, из постепенных изменений.

Еще с начала времен человечество начало процесс эволюции. Люди становились умнее, цивилизованней, появилась мораль и т.д. Но эволюционировало не только человечество, но и понятия красоты.

Как это происходило, из-за чего, и каким образом я попытаюсь разъяснить в этой статье. Начнем с того что такое красота? Красота или прекрасное – это понятие очень сложное и требующее тщательного рассмотрения, поскольку она выражается во многих вещах и бывает она разной. На мой взгляд, это понятие можно разделить на два раздела: внутренняя и внешняя красота.

Внутренняя - это красота души человека, его моральности. Того что это за человек внутри.

А Внешняя – это красота того что мы видим только взглянув на человека. То есть лицо, одежда и поведение.

Но красивым может быть не только человек, красивым может быть также окружающий нас мир. И еще с начала существования человечества, люди замечая красивое в самых, казалось бы, простых вещах, пытаются изобразить, прекрасное мира с помощью картин, скульптур, пейзажей и т.д. И этому было дано имя «искусство». И я расскажу о нем постепенно и по эпохам.

А начну я с самой древней эпохи так называемой пещерной. Об этой эпохе можно мало чего известно, но я изложу доступные факты. Люди, жившие в это время глупые, необразованные, уже тогда тянулись к прекрасному и пытались изобразить его на стенах своих пещер. Самые первые рисунки находятся в пещерах по всему миру. Как правило, это изображения животных, на которых они охотились, или рыбы, которую они ловили. Но были также непонятные рисунки – странные геометрические фигуры и цветные точки. Доисторические люди жили у входа в пещеры, рисунки же расположены глубоко внутри.

Теперь держим путь к Античности. Греки одна с самых важных для развития человечества нация. Они нам дали великих ученых, поэтов благодаря которым мы сейчас можем узнавать о том, что было когда-то. Но также до нас дошли и непревзойденные греческие вазы, которые греки расписывали. Самые первые вазы были покрыты геометрическими фигурами, но с течением времени роспись стала более художественной и изображала цветы, животных и людей. Сюжеты из жизни героев и героинь мифологии. Далее у нас Римляне.

Римляне – великая нация, с великими вождями и высокой культурой. Римляне обожали выставлять напоказ свою страсть к природе. Они умели тщательно копировать даже мельчайшие детали окружающей жизни. Их художники использовали иллюзорный эффект так называемые «обманки». Также они любили украшать свои дома мозаиками. Крохотные кусочки цветных камней подбирались и вмуровывались в пол. Также как мы выбираем обои для наших домов, так и римляне скрупулезно создавали и продумывали интерьер своих жилищ.

Средние века - Возрождение. Периоды в этой эпохе я хочу объединить в один блок. И начну с того что в это время христианская религия набрала мощи и стала основной. И поэтому очень распространенной была иконография. Люди, считавшие, что изображение Иисуса священно, очень любили рисовать Иконы, делать фрески, витражи… Особенно в этом отличился Джотто, который в своих фресках рассказывал евангельские истории. За это его и прозвали «художник-рассказчик». На этой ноте мы плавно переходим к следующей эпохе именуемой «Возрождение».

Эта эпоха славиться великими именами такими как: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Беноццо Гоццоли, Вазари, Рафаэль, Рембрандт и др. В этот период задачей искус ства перестало быть только прославление Бога. Люди почувствовали свою значимость и стали описывать красоту мира который создал для них Бог. Одной из наиболее значимых личностей в это время стал Леонардо да Винчи. Который до сих пор поражает мир своей гениальностью. Величайшими его картинами стали « Мона Лиза» и « Тайная вечеря». Это картины которые до наших времен остаются загадками. Возьмем к примеру «Мона Лизу» с ее загадочным лицом которое каждый воспринимает по своему. Также да Винчи широко известен своими анатомическими познаньями и невероятными разработками. Теперь переключимся на еще одного великого художники эпохи Возрождения. Этот человек прославился своей прекрасной картиной «Сикстинской мадонной» , на которою мы по сей день можем любоваться. На этом подведем черту. Об этой эпохе можно еще долго говорить и рассуждать, но я попытаюсь это обобщить. Тоесть эпоха возрождения это период в истории человечества, когда люди поняли свою значимость в этом мире. Следующая остановка нашей экскурсии по эволюции красоты будет «Барокко».

Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации». Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий - театр и бал-маскарады. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука. Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо. Отдельно хочу остановиться на Рубенсе. Рубенс это великолепный портр ет ист, он написал цикл картин о жизни французской регентши Марии Медичи. Именно его сочли самым подходящим для изображения этой королевской особы не только благодаря его манере письма, но и из-за его дипломатических способностей. Ему принадлежит фраза « Я считаю весь мир родиной и верю, что мне будут рады повсюду». Еще Рубенс обожал рисовать обнаженное тело и его мельчайшие оттенки.

Идем дальше… Я хочу рассказать о направлении в живописи именуемом «Рококо». Это направление унаследовало от Рубенса любовь к цвету и прозрачный мазок. Любовь в этом направлении была традиционной темой художников. А актеры, служанки, клоуны и мифологические герои – их привычными персонажами. В общем это направление можно охарактеризовать словами «Рисуем Любовь» .

А теперь уделим немного внимания английскому пейзажу, импрессионистам и великому Винсенту Ван Гогу.

Английский пейзаж хорошо объяснить на примере художника того времени Джона Констебла. Как и многие художники того времени он рисовал свою малую родину. В своих картинах он часто клал краски густым слоем с белыми вкраплениями, чтобы показать солнечные блики. Констебл писал сельские ландшафты. На фоне которых мирно и неторопливо текла провинциальная жизнь. Он изучал облака, небо, растения и животных.

Далее рассмотрим художников импрессионистов. В этом течении свежий взгляд Кубе и Милле спровоцировал революцию в Искусстве. Импрессионисты отважились применить новую технику, которая отвечала их запросам. Импрессионисты просто выливали краски тюбиками. Они не старались растушевать мазки. Увидев сияние луча, они успевали поймать его быстрым пятном цвета. В результате картины часто выглядели незавершенными.

Остановимся на величайшем представителе течения импрессионистов Винсенте Ван Гоге. Расскажу о нем немножко - Винсент Ван Гог родился в 11 часов утра 30 марта 1853 года в деревушке Грот-Зюндерт (нидерл. Groot Zundert ) в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов, недалеко от бельгийской границы. Отцом Винсента был Теодор Ван Гог, протестантский пастор, а матерью - Анна Корнелия Карбентус, дочь почтенного переплётчика и продавца книг из Гааги. Винсент был вторым из семи детей Теодора и Анны Корнелии. Своё имя он получил в честь деда по отцовской линии, который также всю свою жизнь посвятил протестантской церкви. Это имя предназначалось для первого ребёнка Теодора и Анны, который родился на год раньше Винсента и умер в первый же день. Так Винсент, хотя и был рождён вторым, стал старшим из детей. В 1880-х Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880-1881) и Антверпене (1885-1886), пользовался советами живописца А. Мауве в Гааге, с увлечением рисовал шахтёров, крестьян, ремесленников. В серии картин и этюдов середины 1880-х гг. («Крестьянка», 1885, музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Едоки картофеля», 1885, Государственный музей Винсента Ван Гога, Амстердам), написанных в тёмной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздавал гнетущую атмосферу психологической напряжённости.

И вот наконец-то мы дошли к Современному миру, в котором было много течений: Фовинизм, Кубизм, Футуризм…

Но я охарактеризую этот период в общих чертах. К началу нынешнего века жизнь человека сильно изменилась, Электричество пришло на смену огню. Вот-вот поднимутся в небо аэропланы. Искусство может многое рассказать о жизни людей той поры. И каждый художник выражался по-разному. Например для фовистов были чрезвычайно важны яркие тона, а кубисты в основном использовали коллаж. В этот же период появляется абстрактное искусство, которое стремиться воссоздать природу и окружающий мир. Очень яркой персоной того времени был Сальвадор Дали. Он был очень необычной личность и всегда выражался по своему. Например из-за этого его В 1926г. его выгоняют из Академии за высокомерное и пренебрежительное отношение к преподавателям.

Перед переходом к второй части статьи подведем итоги. Из выше сказанного можно понять что искусство на протяжении столетий постоянно Эволюционировало и видоизменялось. И зависело это напрямую от устроя того времени в котором находились художники того времени. И мне кажется что Бог создал искусство чтоб воспитывать в человеке душу…

Как я и обещал во второй части статьи мы рассмотрим красоту с моральной точки зрения. И это очень легко сделать на примере романа Оскара Уайльда «Портрет Дориана Грея». Молодой аристократ Дориан Грей - главный герой романа. Природа создала его удивительно красивым. Но красота внешняя и внутренняя - разные вещи. К сожалению, Дориан был красив лишь внешне. А может быть, он был слишком слаб духовно, не имел своей точки зрения на жизнь и с легкостью принял девиз жизни лорда Генри - красота и наслаждение, то есть полный эгоизм. Дориан любит только себя и свою красоту. Но все, кто сталкивается с ним, гибнут. Покончила с собой Сибилла Вейн, беззаветно любившая Дориана. Погибли все те, кто не хотел увидеть в красоте Дориана Грея божество и стремился судить его поступки с позиций общественной морали. Но Грей попирал моральные законы. Люди думали, что такой красивый человек не может быть порочным. Даже судьба сделала ему великолепный подарок. Случилось удивительное волшебство. Исполнилось желание Дориана Грея, и его красота не меркла с годами. И лишь только на портрете изображалось все то, что происходило с душой Дориана.

Я себя не считаю идеальным. У каждого человека есть недостатки, и у меня тоже. Но Дориан, как он мог так скверно использовать свое единственное достоинство - красоту? Все пороки развратной натуры явственно проступали на портрете. Но все-таки в конце романа внутренняя красота юноши взяла верх, и он уничтожил портрет, убив при этом себя.

Теперь прочитав статью полностью мы понимаем, что важна не только внешняя красота, но также и внутренняя. И они должны быть равноправны иначе человек превращается в эгоиста.

живопись искусство красота

Похожие работы:

• Искусство эпохи Возрождения

  Реферат >> Культура и искусство

  Отсюда – расцвет пространственных видов искусства (живописи , скульптуры, архитектуры.). Ведь... готики, как ее внутренняя эволюция в сторону «мирского». Конец... отраженные в его живописи , привели к утверждению в искусстве принципов воздушной перспективы...

• Искусство Римской империи 1 в. н. э.

  Реферат >> Культура и искусство

  О замечательных художественных качествах изделий прикладного искусства свидетельствуют относящиеся к 1 в. н.э. серебряные сосуды, ... , найденных в Египте (см. ниже). Трехвековая эволюция римской живописи (от 2 в. до н.э. по 1 в. н.э.) свидетельствует...

• Почти тысячелетие насчитывает история древнерусского искусства. Оно зародилось в 9-10 вв., когда возникло первое феодальное государство восточных славян -- Киевская Русь; последним его этапом был 17 в. -- период кризиса средневековой художественной культуры в России и сложения новых художественных принципов. В IX-X веках первобытно-общинный строй уступил место феодальному. Возникло могучее древнерусское раннефеодальное государство, в условиях роста которого складывается древнерусская народность и происходит яркий расцвет искусства, архитектуры и монументальной живописи по преимуществу. Величественное и торжественное искусство Киевской державы X -- начала XII века стало основой всего последующего развития художественной культуры Древней Руси.

  Путь развития древнерусского искусства делится на ряд четко обозначенных периодов, в основном совпадающих с этапами социально-экономической и политической истории общества. Это Эпоха Киевской Руси (9 -- начало 12 в.), пора феодальной раздробленности (12 и 13 вв.), период борьбы против татаро-монгольского ига и объединения русских княжеств (14 -- начало 15 в.), время сложения и укрепления русского централизованного государства (15 и 16 вв.) и, наконец, 17 столетие, когда обнаружился кризис средневекового искусства и зарождалось искусство нового типа.

  В период феодальной раздробленности искусство, несмотря на выявление множества местных оттенков, сохраняло и развивало общерусские черты. В XII веке образовался и новый центр собирания национальных сил -- Владимиро-Суздальское княжество, которое внесло крупный и своеобразный вклад в художественное развитие Древней Руси.

  Но в XIII веке Русь подверглась нашествию татаро-монголов. Цветущей русской культуре был нанесен огромный урон. Приняв на себя удар татаро-монгольских полчищ, Древняя Русь, в сущности, спасла европейскую цивилизацию, обеспечив европейским народам возможность спокойного национального развития. Юг и Центр русских земель были разорены. Только Север -- Новгород и Псков -- избежал общего разорения.

  Однако идея единства русской земли глубоко вошла в сознание народных масс; ею были проникнуты лучшие произведения русской литературы периода феодальной раздробленности; нашла она свое отражение и в искусстве изобразительном. В борьбе с монгольским игом сплачивались, крепли силы народа, росло его национальное самосознание. В XIV--XV веках складывалась великорусская народность. Культура усиливавшегося Московского княжества развивалась на основе культурных традиций Киевской и Владимиро-Суздальской Руси. В результате мощного национального подъема, особенно после Куликовской битвы (1380), доследовал и первый расцвет искусства Москвы: архитектуры, живописи, прикладного искусства. То был период, ознаменованный деятельностью гениального Андрея Рублева, творчество которого представляет собой высшую точку, достигнутую в развитии древнерусской живописи. XV век был временем высоких достижений и Новгородской школы живописи. Глубокой идейной содержательностью отмечены лучшие живописные произведения этого времени; высочайшего совершенства достигли основные качества древнерусской живописи -- чувство ритма, колорит, изумительный по красоте и силе.

  Процесс объединения русских земель под властью Москвы, в основном завершенный к 80-м годам XV века, обусловил и дальнейшее развитие русской культуры и искусства. Новые кремлевские стены и башни, новые соборы -- Успенский и Архангельский, фресковые росписи Дионисия и его школы -- яркое свидетельство достижений искусства этого периода.

  Плодотворное развитие искусства продолжается и во второй половине XVI века. Искусство этого времени активно содействует укреплению феодальной идеологии, пропагандируя идею крепкой центральной власти (самодержавия). Особенно велики были достижения архитектуры. Именно в это время широкое проникновение народного начала в архитектуру -- влияние народного деревянного зодчества -- привело к созданию такого шедевра, как собор Василия Блаженного в Москве (1555--1560).

  Вместе с тем в искусство этого времени все шире и шире начинают проникать светские мотивы, свидетельствующие о появлении новых, глубоко прогрессивных взглядов на мир, человека, природу. Развитие «мирских», светских тенденций в живописи конца XVI лека вплотную подводит нас к XVII веку -- веку, с которого, по словам В.И. Ленина, и начинается «новый период русской истории» и который вместе с тем является крупнейшим заключительным этапом в развитии древнерусского искусства -- временем коренного изменения в эстетических представлениях Древней Руси.

  В искусстве X--XVI веков -- в искусстве Киева, и особенно Новгорода и Пскова, и в искусстве Москвы (особенно в XVI веке) -- обычно под влиянием народных традиций, народных представлений проявлялись реалистические тенденции. В XVII веке рост реалистических элементов в искусстве шел особенно быстрым темпом и, в конце концов, на рубеже XVII--XVIII веков привел к решительному перелому, к замене старой художественной системы новой. Новые исторические условия делали неизбежным возникновение и нового, светского искусства, с иными средствами художественного выражения.

  В период развития архитектуры домонгольской Руси, охватывающей в основном XII--начало XIII в., выделяется зодчество трех регионов: северо-западного (Новгород и Псков), юго-западного (Приднепровье, Рязанская и Галицко-Волынская земли, Западная Русь) и северо-восточного (Владимиро-Суздальское княжество).

  Возведение столь крупных сооружений, как главные соборы периода Киевской Руси, говорит о высоком уровне строительного искусства того времени. Тип храма развивался на основе унаследованной от Византии крестово-купольной системы с пятью или тремя нефами с куполами на парусах.

  В домонгольский период наиболее яркие школы зодчества и живописи сложились в Новгородской и Владимиро-Суздальской землях. Это определялось, прежде всего, теми обстоятельствами, что Новгород в XII в. освободился от власти князя и стал феодальной республикой, расширились его связи с западноевропейскими странами, а города Владимир и Суздаль - центры северо-восточной Руси, стали наиболее развитой Частью русского государства.

  С началом феодального дробления Руси и возникновением новых центров начинают складываться местные школы живописи. Во Владимире, Новгороде киевская традиция постепенно перерабатывается, искусство становится все более самобытным. Развитие идет в двух направлениях. С одной стороны, все сильнее сказывается влияние церкви, роль которой в годы напряженной борьбы Киева с сепаратистскими тенденциями местных княжеств сильно возрастает. Церковь ведет борьбу с пережитками язычества, за чистоту и строгость христианских обрядов. Образы святых становятся более суровыми, аскетичными. Богатство светотеневой лепки ранних киевских мозаик и фресок сменяется подчеркнутой линейностью, усиливающей плоскостный характер изображений. С другой стороны, в искусство местных школ все интенсивнее проникают влияния народной, древнеславянской культуры.

  К разряду житийных икон Новгорода XIV века относятся как раз иконы Русского музея. Их художественный язык предельно лаконичен, архитектурные кулисы сведены до минимума, доминирует чистый цвет с излюбленным новгородцами противопоставлением красного и белого. Икона Николая Чудотворца написана очень мягко, в то время как житийная икона Георгия -- в жесткой, почти «плакатной» манере. На полях представлены различные сцены мучений Георгия, на среднике -- развернутый вариант чуда Георгия о змие с царевной Елисавой (вместо Елизаветы!), с ее родителями и епископом, выглядывающими из башни. Все основные элементы этой композиции встречаются уже на известной фреске XII века в церкви св. Георгия в Старой Ладоге. Но тот оттенок сказочности, который был свойствен росписи, еще более усилился на иконе с ее контрастами масштабов, своеобразным парением фигур в воздухе и наивной повествовательностью. Царевна кажется игрушечной, таким же выглядит и дракон, послушно ползущий за Елисавой.

  Предельно наглядны изображения в клеймах, в основном воспроизводящие различные сцены мучений. Георгия четвертуют, бьют, кладут на него камни, сажают в котел с кипятком, пилят голову и подвергают множеству других тяжелых испытаний. Но все напрасно. Он выходит невредимым из любых переделок, и его лик остается неизменным, как будто он ничего не чувствует и ничего не ощущает. Так новгородский мастер воссоздает повесть о героизме мученика. И делает он это столь живо и убедительно, что, несмотря на наивность его художественного языка, каждый эпизод обретает удивительную конкретность.

  Крупнейшую роль в развитии новгородского искусства XIV века сыграло творчество Феофана Грека, замечательного художника, в 70-х годах XIV века приехавшего в Новгород из Византии. Достоверной работой Феофана в Новгороде является роспись церкви Спаса Преображения на Ильине улице (1378). Сохранились фрески в куполе: Христос Пантократор в центре, ниже -- фигуры архангелов с широко раскрытыми крыльями и шестикрылые серафимы, а в барабане между окнами -- восемь фигур праотцев в рост.